她30岁登顶亚洲，首次来沪一票难求....（组图）

川内伦子，

当代最具影响力的亚洲摄影师之一，

因日常而诗意的风格为世人所熟知。

2002年，30岁的她凭借《假寐》《花火》《花子》三本摄影集

获得第27届木村伊兵卫摄影奖。

以日本最重要的摄影新人奖出道以来，

川内伦子已出版了超过20本摄影集，

迅速在国际摄影界横扫大奖，占据重要地位。

选自《Cui Cui》，©川内伦子

选自《花火》，©川内伦子

选自《illuminance》，©川内伦子

川内伦子的镜头下，

有细微之处的光影，

家人和孩子，

也有宏大广袤的焰火、火山和烧山仪式。

川内伦子个展《遥远闪亮的星，在手中闪烁》在Fotografiska开幕，引发观展热潮  上海是继斯德哥尔摩、塔林和柏林后的第四站

展览《遥远闪亮的星，在手中闪烁》现场 Fotografiska影像艺术中心，2025 图片来源：Fotografiska

今年春天，

川内伦子首次在中国开设个展，

她本人也第一次来到上海，

在社交媒体上掀起了热烈讨论。

讲座和签售一经开售，

就获得了超乎想象的热度，一票难求。

展览开幕前一天，

我们和川内伦子聊了聊她的创作与人生，

作品中永恒的对生与死和时间循环的关注。

她心系饱受战争之苦的遥远的人们，

也关切在不安的时代里焦虑的年轻人，

“我不知道我的作品能否真正带来安宁，

但如果有人能从中感受到某种安慰，

那就再好不过了。”

川内伦子在上海

这是川内伦子第二次来到中国，13年前，她曾在中国河北拍摄过打铁花（收录在摄影集《Halo》中）。第一次来上海，“发现这里的高楼大厦比我想象得还要多，有点吓到了。”

谈到川内伦子，她很容易被和一些简单的标签挂上钩——比如“小清新”、“诗意摄影”云云。这些网络热词仅仅抽象出了表层的观感体验，忽略了其血肉。

而她更希望观众可以通过书或展览的方式，成组地观看自己的照片。她喜欢做摄影书和策划展览的过程，因为沉迷于思考照片排布的过程。“可以说，每一张照片就像一个细胞，而当它们组合在一起时，就能形成一个更完整、更宏大的整体。”

选自《illuminance》，©川内伦子

选自《illuminance》，©川内伦子

选自《illuminance》，©川内伦子

选自《假寐》，©川内伦子

她拍过平和的家庭生活，静谧的光影，美好的烟花，也拍过动物的尸体，黑压压的鸟群，凛冽的闪电，所有这些“细胞”形成的整体，才能呈现她完整的表达。

她并不像另一些世界著名的摄影师一样，以强烈的奇观吸引人，而是在自己的世界里持续追问。不论是身边的微观世界和家人，还是遥远的冰岛、宏大的烧山仪式，都围绕着相同的母题——时间的流逝与生命的循环。

这种宏观与渺小的关联性，正如她自己在展览前言中写的，“我的老去与女儿的成长同样进行着；而冰川的消融是否也会以同样的方式继续，直到彻底消失？一切都与我们眼前的生命息息相关。”

选自《母亲地球》系列，2020，©川内伦子 图片来源：Christophe Guye Galerie（苏黎世）

无题，选自《连结》系列，2015，©川内伦子 图片来源：Christophe Guye Galerie（苏黎世）

这次展出的作品，包括2019年在冰岛以及疫情期间日常生活和北海道冬季的影像（《M/E（地球母亲）》系列，“ME”为英语Mother Earth的缩写），还有正在进行中的项目《An interlinking（连结）》，这是她记录了长达20年的日常生活。

面对作品，她并不想显示出强势的姿态，而是把自己放在很靠后的位置：“与其说我想主动传达什么，不如说如果有人看了我的作品后有所感受，那我会很开心。”

2012年，川内伦子在河北拍摄的打铁花 选自《Halo》，©川内伦子

采访需要等待翻译老师的转述，川内伦子常常在这些空当儿“走神”，侧耳倾听周围发生的细微声音，比如水管里哗啦啦的水声。采访结束时，她指向对面墙上高处的一扇小窗，问那里是不是有儿童乐园。因为从那扇窗子看出去，是一家商场的摩天轮。

我问她，为什么对这些细节感兴趣？她说，我想，是因为这是我当下的反应吧，它让我觉得我此刻活着、存在于这里。

她没有时间出门游荡和拍照，她说，或许拍一张酒店的窗户就回去了，因为房间在29楼，从上面俯瞰，能看到很多高楼大厦，平时很少有机会从这么高的地方看城市的景色，感觉跟东京有点像，但又有些不同。

这是展览开幕的前一天，她来到上海的第二天，密密麻麻的日程表上写满了行程安排。结束我们的采访拍摄后，休息十五分钟，她还将为媒体预展做导览。

我们聊了聊那些标签之外，作品背后具体的故事与世界观。以下是她的讲述。

素材来源：Fotografiska

如果说要给年轻人说些什么，确实很难表达。不过，我自己年轻的时候，真的每天都充满不安，我也是这样度过的。

我从来没有在某一天突然下定决心，说“我要成为一名摄影艺术家”。一方面，我希望自己能在经济上独立，而我并不认为仅靠创作作品就能维持生计。另一方面，在日本，我几乎没有看到可以作为榜样的人——也许有，但我当时并不了解。

选自《母亲地球》系列，2020，©川内伦子 图片来源：Christophe Guye Galerie（苏黎世）

我开始接触摄影是在大学时期。我的专业其实是平面设计，每周都有一节摄影课，我发现自己比起设计，更喜欢摄影的课程。毕业后，我决定一边学习摄影，一边靠自己的能力赚钱，于是进入了一家商业摄影工作室。

商业摄影的工作，理所当然是为客户服务的，而不是拍摄属于我自己的作品。随着时间推移，我开始感到不安，思考“我真正想表达的东西到底是什么？”

恰好公司摄影部因为泡沫经济破裂后的影响，最终解散了，迫使我开始思考，与其继续留在大阪，不如去东京，那里可能更接近我想挑战的世界。

从大阪搬到东京时，我已经22岁了。大阪和东京的文化差异其实很明显，不仅仅是语言上的不同，还有整体的氛围。东京是一个庞大的都市，也是文化的中心，但对我来说，当时几乎没有什么熟人，要在一个完全陌生的环境里重新开始生活和工作，确实是一种挑战。

那时候也常常感到孤独，但正因为这样，才更加坚定了自己想要尝试的方向。

2001年，川内伦子出版了《假寐》、《花火》、《花子》三本摄影集，2002年获得木村伊兵卫摄影奖

选自《假寐》，©川内伦子

选自《花火》，©川内伦子

从最初的三本摄影集开始，我感觉自己在创作每一部作品的过程中，视角逐渐向外扩展。正是因为有了这些作品，才促成了下一部作品的诞生。而正是有了下一部作品，我才能继续向前迈进。

我四岁的时候，从（家乡）滋贺县搬到了大阪。那是我第一次意识到，自己出生和成长的家再也回不去了，这种冲击感让我深刻地体会到时间无法倒流。或许在某种程度上，也影响了我后来选择的创作方向。

我一直以来关注的主题之一涉及生与死，但更广泛地来说，我对事物的循环、周期性变化特别感兴趣。

可能是因为我自己也在朝着“死亡”前进吧。这件事对我来说或许是可怕的，比起刻意不去思考这些事情，我反而更害怕逃避它。也许正是这种恐惧，让我选择直面它，因为面对恐惧或许比逃避它更能让人轻松。

川内伦子《As it is》摄影集，拍摄了女儿成长的三年

《As it is》这本摄影集，最开始是法国的出版社最先提议我做一本关于女儿的书，但当时女儿才两岁，我不想单纯地做一本“看，我的女儿很可爱吧？”的作品，所以一开始我是拒绝的。

但随着她渐渐长大，我的想法也开始有所改变。在日本有一种说法——孩子三岁之前，孝顺父母的责任就已经完成了，活着本身就是对父母的最大孝顺了。

我想，也许把照片整理到她三岁为止，还是可以的。而且在这三年里，孩子的身体和样貌发生了急剧的变化。这种物理上的成长变化，让时间的流动和更迭变得更加直观。

在做这本书的这个过程中，我的公公——也就是我女儿的祖父去世了。在这个事件里，我又强烈地感受到了家庭内部的循环。这是生命自然的流转，我认为将这一部分也纳入摄影集中，能够让这本书更完整地展现这个主题。

无题，选自《连结》系列，2012，©川内伦子 图片来源：Christophe Guye Galerie（苏黎世）

川内伦子在东京郊外的家 素材来源：Fotografiska

我到现在还会思考“母亲”到底意味着什么。即使自己已经成为母亲了，也总觉得和自己理想中的样子相去甚远。像今天早上，我因为烦躁而说了些重话，之后又陷入自责，这样的事情时常发生。但即便如此，我依然觉得，能够被授予一个比自己更重要的存在，是一件非常了不起的事情。

疫情的到来似乎让一切慢了下来。有时候，在家工作时，我听到窗外小溪的流水声，望着水流淌的样子，会感到一丝安慰。多年后第一次长时间待在家，让我想起了小时候，放学后漫长无聊的时光，仿佛永远不会结束的暑假……现在，我的女儿是否也在经历着类似的时光呢？

选自《天地》，©川内伦子

早在去拍摄“野烧”之前，我就已经对这个主题很感兴趣，因为野烧的本质，正是将枯萎的草焚烧，以此让新的生命萌发，是一种关于循环的象征。

当我真正走进现场时，看到的景象远远超出了我的想象。不仅仅是概念上的吸引力，从视觉上来说，那一刻的画面也极具震撼力，带有一种强烈的力量感，让我深深被吸引。

选自《天地》，©川内伦子

每次拍摄结束后，我都会有一种奇妙的感觉，仿佛那个“旧的自己”被烧尽了一样，那些不需要的情绪、积累的杂念也随着火焰一起燃烧殆尽。当一切燃烧结束后，我会明显感觉到自己的心境被重新洗涤，焕然一新。

从拍摄进度来看，三年左右已经足够完成整个项目了。但正是这种体验让我想要继续深入。我总觉得自己还想再看更多，还想再感受更多，于是就这样连续五年都前往同一个地方进行拍摄。

选自《天地》，©川内伦子

使用大画幅相机进行长曝光拍摄 选自《天地》，©川内伦子

过去以及现在，我都常常使用正方形的画幅。因为正方形的视角既不是横向也不是纵向，它的形态更接近于圆，这种构图方式在当时让我觉得非常契合。RolleiFlex 采用的就是这种格式，而且，这台相机本身也很适合我。

但第一次去拍摄野烧的时候，我带了很多不同的相机，尝试了各种相机后，发现最适合的就是4×5这种大画幅相机。

我不希望用一种随意、轻松的方式去记录。4×5相机的拍摄步骤繁琐：首先需要装入胶片，调整设置，设定快门速度，然后盖上黑布对焦……4×5相机很重，每拍一张照片都需要花费大量时间，非常不方便，但我觉得有些画面只能用这样的相机才能捕捉到。每一个环节都需要认真对待，这种“麻烦”的步骤本身，反而成了一种符合当时心境的仪式感。

选自《M/E》，©川内伦子

确实和我刚开始摄影的时候相比，现在的意义已经有所不同了。因为现在谁都可以拍摄，摄影的必要性相对来说可能没有以前那么强了吧。比如，以前像这样的采访，通常都会请专业摄影师来拍摄，但现在可能编辑直接用 iPhone 拍几张就结束了。技术的进步让摄影变得更加大众化，也改变了摄影的需求。

当然，这并不意味着摄影本身失去了价值。就我自己创作作品的方式而言，我觉得还是有另一种意义存在的。摄影作为一种媒介，依然有很多表达的可能性，甚至可以说，现在反而有了更多的表达方式。

展览《遥远闪亮的星，在手中闪烁》现场 Fotografiska影像艺术中心，2025 图片来源：Fotografiska

比如在构思展览的时候，我会考虑不仅仅使用平面摄影作品，而是加入一些影像作品。在这次展览中，我还使用了灯箱、亚克力立方体等不同的媒介。

并不是对摄影本身感到厌倦，而是觉得运用其他手法能够拓展表现的可能性，使作品呈现出更丰富的层次。

选自《M/E》，©川内伦子

选自《M/E》，©川内伦子

这次展出作品的创作契机是2019年我去了冰岛。活了三十多年后，我突然有了一个强烈的愿望：想要再次确认自己脚下的土地，不是从区域或国家的角度，而是单纯地意识到，我站在这颗星球上。

在冰岛这片土地上，这个愿望得以满足。我看见喷泉如地球的呼吸，又见冰川如超越人类时间的存在。而这一切似乎也照亮了我的存在。

展览现场中部白色纱布围起来的部分，也模拟了“子宫”的概念

当时我有一次进入休眠火山内部的经历。当我从火山内部向上望去的时候，突然觉得那个形状很像女性的生殖器官。那一刻，我有一种强烈的感觉，仿佛自己正处在地球的子宫里面，仿佛自己确实是从地球中诞生的、生活在这颗星球上的存在。

这种深刻的体验成为了这次创作的一个关键点，也促使我为作品确定了这个“M/E”标题。“M/E”指的是“Mother”和“Earth”，如果取每个字母的首字母，也会指向“Me”这个概念，即自身的存在。

无题，选自《连结》系列，2022，©川内伦子 图片来源：Christophe Guye Galerie（苏黎世）

去完冰岛的次年，疫情爆发了。我原计划在冬季再访冰岛以更深入探究这种联系，但因疫情而搁浅。因此我开始在冬天多次前往北海道，在那里，我看到了只有在极寒条件下才可见的景象，也再次意识到自身的渺小与脆弱。

尽管冰岛和日本相距遥远，但我们都共同经历了新冠的威胁。

如今，看到世界上正在发生的战争、冲突，以及那些无法享受和平、性命受到威胁的人们，我会感到无力，也会为自己的无能为力而感到沮丧。我们其实是生活在同一个时代的人，那些生活在遥远国家的人，并不只是“遥远的故事”，当人与人相距遥远时，我们往往容易忘记这一点。

如果有人感到焦虑，甚至因为不安而无法行动，我希望他们不要一个人把所有情绪都闷在心里。我会尽量去游泳或者做其他运动，在动起来的过程中，不安的情绪会慢慢缓解一些，我喜欢热瑜伽、做饭，或者投入工作、外出拍摄……我希望大家也能找到适合自己的方式，努力撑过去。

我不知道我的作品能否真正带来安宁的感觉，但如果有人能从中感受到某种安慰，那就再好不过了。